Iron Maiden - Foro Sol

Durante los últimos días todo había sido lluvia, sin embargo, el martes 17 el sol salió por la mañana, y cabía la esperanza de que Tláloc nos diera una tregua para el concierto de Iron Maiden, quienes se presentarían por la noche, pero por la tarde quedó claro que no sería así…afortunados los que llevamos impermeable, porque esos de $10.00 fueron como de adorno, charcos y más charcos, pero ya estábamos preparados para Slayer (no alcanzamos a Ghost). La lluvia arreciaba, pero los acordes de “World painted blood” ya estaba sonando y de ahí para adelante todo sería pura energía sobre el escenario, siguieron “Disciple”, “Mandatory suicide”, “Dead skin mask”, entre otras, y en el fondo un mensaje para el recién fallecido Hanneman, la lluvia no impedía que la furia metalera siguiera, cerrando con las poderosas “Raining blood” y “Angel of death”….pero lo mejor estaba por llegar, apenas los de Slayer terminaron, los gritos de ¡Maiden! ¡Maiden! no se hicieron esperar, y solo fue cuestión de tiempo para que alrededor de las 21:30 las luces se apagaran…

“Seven deadly sins

Seven ways to win

Seven holy paths to hell

And your trip begins”

…y sí, el viaje había comenzado con “Moonchild”, siguieron con “Can I play with madness”, para pasar a “The prisoner” y “2 Minutes to Midnight”; la ejecución excelente, porque a pesar de sus años los Maiden parecen no perder las fuerzas…pero un momento cumbre estaba por llegar, cuando las notas de “Afraid to shoot strangers” se hicieron presentes, una de mis favoritas, y tener el privilegio de escucharla en vivo fue sensacional

“When it comes to the time

Are we partners in crime?

When it comes to the time

We'll be ready to die”

A continuación, dos de las favoritas de siempre, “The Trooper” y “The Number of the Beast”, las cuales por momentos de tanto escucharlas llegan a cansar, pero no se puede negar que ya en ambiente no tienen comparación, y el Foro Sol estaba que no cabía de la emoción. La música de Maiden es tan genial que para mi gusto no necesita muchos adornos, pero Eddie saliendo a escena es un toque especial de sus conciertos, y ellos parecen disfrutarlo…siguieron con otra que pensé que no escucharía alguna vez en vivo “Phantom of the Opera” (Fuck Yeah!!!) seguida por “Run to the Hills” y “Wasted Years”.

“So understand

Don't waste your time

Always searching for those wasted years

Face up...make your stand

And realize you're living in the golden years”

Las 50,000 almas en el Foro Sol, lo cual Dickinson presumió, no paraban de cantar y saltar, la lluvia, que se había detenido al inicio de los Maiden, comenzó nuevamente, pero qué importaba, ya no necesitaba el impermeable porque vendría un momento mágico, “Seventh Son of a Seventh Son”, una canción donde la sutileza y la fuerza, y la inigualable voz de Bruce, se unieron para crear una atmósfera bien chingona….pero todavía había más, del mismo disco le siguió “The Clairvoyant”

There's a time to live and a time to die

When it's time to meet the maker

There's a time to live but isn't it strange

That as soon as you're born you're dying

Janick no paraba de bailar y saltar, Nicko y Bruce a todo lo que daban, Steve, Dave y Adrian con la maestría de siempre…ahora era momento de los clásicos, de corear “Fear of the dark” y “Iron Maiden” con la que hicieron una despedida en falso, para regresar con el ya por nosotros conocido discurso de Churchill que anunciaba la tremenda “Aces High”, después “The evil that men do”…nadie quería que esto terminara, pero así son las cosas, no obstante Bruce nos dedicó la última canción por la celebración de nuestra independencia, y ahora sí que valía la pena dar el grito con “Running Free”, la cual aprovechó para presentar a sus compañeros, colocándoles un sombrero cada que los mencionaba…no había a quién aplaudirle más, todos tuvieron un desempeño increíble, porque sorprende la energía y destreza que esta banda sigue teniendo sobre el escenario, lo que aunado a su gran talento los convierte en artistas en toda la expresión de la palabra. Las luces se encendieron, y teniendo como fondo “Always Look on the Bright Side of Life”, solo se podía pensar que la Doncella de Hierro no se ha oxidado, y amén por eso.

Nota: Mi deseo personal era escuchar “Only the good die young”, que con gusto habría cambiado por “Can i play with madness”, pero de todas formas este concierto estuvo de 10.

Tabú

Tabú

Y quizás se repite la historia, quizás la nostalgia de la magia de lo sencillo nos hace voltear a ver el camino recorrido, quizás es un homenaje, quizás es el nuevo arte o quizás le pongo letras de más a una bonita película, que bien podríamos decir que son dos películas, que cuentan el episodio romántico de Aurora. Empezamos por ver la culminación de una aventura, vemos como los personajes carismáticos terminan el recorrido de su viaje, que a la vez y por asares del guion terminan contándonos el inicio de un camino románticamente decadente y tristemente bonito (ya parezco Arjona jejeje).

 

La forma, los elementos, la fotografía, las actuaciones, todo es armoniosamente dirigido para dar como resultado un lindo filme que es un oasis entre tanta película pretenciosa y dominguera. Esta es una de esas películas que hay que correr a verla en una sala de cine porque solo ahí se entiende su magia y digo correr por que si de por si es difícil encontrar donde verla ahora con los estrenos de verano será casi imposible cacharla.

Tabú

Portugal-Alemania-Brasil-Francia. 2012

Dirección: Miguel Gomes

Halley

Halley

Poco a poco  al pasar de las horas y de los días nos vamos deteriorando, nos vamos muriendo sin que nadie ni nada pueda detenerlo, quizás podamos retrasarlo con cremas, pastillas e intervenciones quirúrgicas pero al final todos acabamos sucumbiendo. Ojala y nuestro cuerpo, nuestra piel, nuestro interior fuera como una maquina donde podamos remplazar fácilmente las piezas que se nos van cayendo, ojala y fuéramos como una taza de porcelana que con solo jabón, un trapo y una lustrada luciéramos como nuevos, pero no es así, la piel se nos desmorona todos los días, los dientes los vamos perdiendo, el pelo se cae y lentamente nos vamos desvaneciendo.

Pero después de la muerte nos encontramos solos en una tumba y poco a poco nos va consumiendo la naturaleza, las lombrices, las bacterias, las moscas y las arañas nos van comiendo, minuciosamente van haciendo suyos ese cuerpo desprovisto de un alma, pero que pasaría si todo esto nos ocurriera aún con vida, que pasaría si somos testigos únicos de nuestro pudrimiento, que pasaría si viéramos a todos esos insectos comiéndonos poco a poco, y lo peor que pasaría si viviéramos en la roma y fuéramos un hipster, si, esa es la premisa de esta película, ser un Zombie-Hipster.

Una película que en idea, que en algunas tomas, que en la fotografía, que en el maquillaje tiene buenos elementos pero que a mi parecer falla en los diálogos, falla en las actuaciones y falla en algunos aspectos del guion. Si es una buena película a secas, que la verdad con un director más experimentado (denle chance es su primera vez) hubiera dado más, que quizás si no se hubieran gastado toooodo el presupuesto en la última secuencia (que por cierto está muy rara) les hubiera alcanzado para contratar unos mejores actores.

Halley

2012 México
Dirección: Sebastián Hofmann

Blur en el Vive Latino 2013

Me gusta ir a conciertos de rock. Cuando una banda que me gusta ofrece una presentación en mi país, quiero ir a verlos. A veces no reflexiono más allá de eso y la verdad es que los conciertos son rituales sociales muy raros. ¿Qué hace uno en los conciertos? ¿Vas a cantar? ¿A escuchar tus canciones favoritas? ¿A que te sorprendan? ¿A ponerte borracho? Es como si una experiencia tan evidentemente colectiva se tratara también de una experiencia netamente individual.

El sábado 16 de abril tuve mi experiencia individual/colectiva con Blur dentro del Vive Latino. Tenía emoción por verlos, aunque en realidad no estaba pensando más allá de “me gusta Blur, hay que verlos”. Fue hasta el momento que comenzó el concierto cuando me di cuenta de qué se trataba todo.

Mientras sonaban canciones como Girls And Boys, Tracy Jacks, There’s No Other Way y más, descubrí que estaba escuchando canciones que me han acompañado muchísimos años y que no me han abandonado desde la adolescencia. Que estaba asistiendo a un concierto como a los que me hubiera gustado asistir de puberto. Muy grato ver también que era la  misma banda que yo admiré muchos años, que tanto escuché en bootlegs pensando “ojalá yo estuviera ahí”. Que fueran esencialmente los mismos sobre el escenario, sólo que evidentemente más envejecidos. Yo también soy más grande ahora. Fue especial esa sensación como de “así debe ser”, como si estas debieran ser las condiciones con las que yo tendría que ver a Blur en vivo por primera vez.

Grato ver el desempeño de la banda en vivo. El tracklist que manejan está muy bien pensado. Tiene un bloque feliz, un bloque experimental, otro ruidoso y otro de baladas intensas. Muchos pensarán que faltaron hits como No Distance Left To Run o canciones más oscuras. Lo cierto es que no me puedo quejar. Como experiencia colectiva fue un gran set para cantar, brincar, celebrar. O sea, el tipo de conciertos que mejor se le dan a esta banda. E individualmente fue una especie de flashback hacia mi adolescencia que no vi venir, y de cierto modo se volvió en una de las mejores experiencias dentro de un concierto de rock en mi vida.

Sí, puedo ser un pinche cursi cuando me lo propongo. Supongo no les sorprende.

Lincoln

 

Lincoln

Cuando vi esta película recordé una frase que escuche de niño la cual decía “los gringos solo aprenden de historia a través de sus películas” honestamente no recuerdo quien la dijo pero al ver esta película la frase tomo sentido.

Para cimentar el camino corto se su compacta historia los vecinos del norte empiezan por la creación de personajes míticos,  personajes que con sus decisiones determinantes cambian el rumbo que hasta ese entonces se llevaba (ya que ellos no cuentan con un Alejando, un Cesar, un rey Arturo, un Hengis Kan, un Napoleon o un Odiseo o un Hércules o un Quetzalcóatl) personajes engrandecidos, esta cimentación es algo totalmente normal en cualquier cultura, no existe ninguna cultura sin ningún tipo de héroe, porque de y por héroes está hecha la historia.

La película empieza con un par de escenas que parecen indicar el rumbo de la película, una escena de batallas, golpes, muertos y otra que, drásticamente cambia a una escena llena de diálogos, diálogos engreídos y nauseabundos con un fétido olor a nacionalismo barato gringo digno de una película de Michael Bay sin embargo y afortunadamente la película esquiva ese fácil nacionalismo melancólico y poco a poco nos va acercando a una parte de la historia norteamericana llena de desperfectos, angustias, tácticas políticas, se nos muestra a su decimosexto presidente en un claro-oscuro matizado por Spielberg y encarnecido espléndidamente por quizás el mejor actor de películas (de Hollywood principalmente) actualmente Daniel Day-Lewis.

Lincoln es una muy buena película, de un  Steven Spielberg que sigue sin perder su toque a la hora de hacer escenas espectaculares, escenas que no lograría tan fácil con otros actores que sin duda hacen que todo se vea muy real, sobre todo ese Tommy Lee Jones que la verdad le quedo muy bien su actuación en esta película. Y algo que si se notó en esta película es el poder de una mujer así que aguas cuando se enojan porque ya se vio que cambian el rumbo de la historia.

La cimentación de sus ídolos históricos esta ya hecha muy al modo Hollywodense, muy a su modo, es válido, solo espero ver algún día un trabajo así acerca de Benito Juárez o Porfirio Díaz o de Miguel Hidalgo y que no sea  un engendro de televisa.

Lincoln, basada en el libro Team of Rivals: the Political Genius of Abraham Lincoln de Doris Kearns Goodwin.

 

Director:Steven Spielberg Duración: 150 minutos Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, James Spader.

Django Unchained

DJANGO UNCHAINED

Ahora si, por fin creo haber visto la mejor película de Quentin Tarantino y es que definitivamente es la mejor con la mezcla perfecta de diálogos, violencia, humor, bonitos paisajes, buenas actuaciones, todo, todo parece haberle salido casi perfecto.

Con todo y la polémica que ha generado la película, digo más para el público gringo que para el resto del mundo ya que toca algo que les incomoda mucho y es su aun presente racismo (y esclavismo) y que sin pretensiones expone y la “violencia extrema” la cual siempre ha existido en los filmes de Tarantino, la película sale como Django: triunfante y bañada en sangre.

Con la historia situada antes de la guerra civil de los norteamericanos y no presentándose como un típico Western, se nos narra la historia de un Sigfrid afroamericano ayudado por un simpático caza recompensas alemán Dr. King Schultz (¡¡¿?!!) y teniendo como paisaje la esclavitud y el oeste vemos la odisea en tiempos de vaqueros, donde las fenomenales actuaciones de Jaime Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, le imprimen el real dramatismo que le faltó a películas como Kill Bill. En esta película Tarantino demuestra el valor que muchos han dudado en darle y que desde su primer película mostró, el valor de un maestro cinéfilo, en donde el manejo de las escenas tienen todo el sello “Tarantinesco” (que muchos han intentado copiar ejemmm Guy Ritchie) pero ahora bien mezcladas con buenas tomas y buena ejecución actoral dando como resultado el mejor trabajo artístico de Tarantino hasta ahora.

Es una muy buena película que bien vale los Oscares a los cuales fue nominada y que no se puede decir mucho en contra, de hecho casi nada jejeje solo que esa si me hubiera gustado verla en 3D y sentir que me bañaban en sangre. Yo la recomiendo tanto que hasta ganas de verla otra vez me dan (Spilberg y Lincon pueden esperar al fin ya se en que termina, jejeje).

Director: Quentin Tarantino

Duración: 180 minutos

Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, y Christoph Waltz

El Hobbit: Un viaje inesperado.

Los momentos, las experiencias son las que marcan la vida de una persona ya sean buenas o malas, las cosas simplemente pasan y nos van dejando una cicatriz, una marca, pero para marcarnos hay que herirnos, hay que salir, cambiar el recuadro, movernos con el sol, hay que salir, salir de nosotros mismos, descubrirnos, romper el cascaron, vernos a los ojos a través de otros para saber dónde, cómo y quiénes somos, tal vez esa sea la fuerza invisible que mueve al pequeño hobbit, el pequeño “ladrón” que vive circunstancias que jamás se imaginó, vive un viaje inesperado.

Pero una experiencia es muy difícil de repetir porque aunque lo hagamos de la misma forma ya no tiene el sabor de ser la primera vez, ya nunca será lo mismo y esto es lo que me desconcierta de la adaptación de la película El Hobbit.

La película “per se” es un viaje inesperado, un viaje lleno de incertidumbres, desde su concepción,  pasando por la ya difícil adaptación de un libro a película (aunque hay más películas basadas en libros de la que nos imaginamos, algunos bien logrados otros, bueno lo intentaron), la realización, hasta la expectativa de ver  el material final (increíblemente divido en tres).

Aunque la película no cambia en si el  fundamento del libro y, entendiendo que una adaptación de un libro a película siempre es complicado, la película se siente y se ve forzada a repetirse, se perciben las discusiones en la sala de juntas de los productores donde insisten en sacar el máximo provecho (dinero) de esta nueva adaptación de una novela de Tolkien porque yo no veo la necesidad de repetir escenas, circunstancias, tramas y hasta las mismas tomas de El Señor de los Anillos, se ve obligada la necesidad de incrustar historias inexistentes en el libro,  el libro de El Hobbit por si solito es muy bueno no necesitaba de repetir lo ya hecho por El señor r de los anillos.

¿Por qué? ¿Por qué repetir la misma experiencia sabiendo que ya nunca será lo mismo?

La verdad me hubiera encantado ver lo que Guillermo del Toro habría hecho con esta película, porque estoy seguro de que el resultado final sería muy diferente a lo que vi este fin de semana, para mí lo hecho por Peter Jackson termina en una decepción más del viejo Hollywood.

El Hobbit: Un viaje inesperado
(2012) EUA
Director: Peter Jackson

Amour

Amor

¿Es tan difícil encontrar el amor? Nuestra causa en este mundo pareciera y tal vez debería ser eso: buscar y encontrar el amor, ya que todo lo demás parece cruel, superficial, parece vacío. El rencor, la burla, el odio, las mentiras están todo el tiempo junto a nosotros y parece que la naturaleza de muchos es el avivar esos arrebatos en el fondo a lo mejor esto signifique la frustración de no encontrarlo, de sentirnos solos, de no tener el cariño de quien deberíamos, se va generando la tristeza que se transforma en enfado, en ira que suele explotar y herir a la gente que representa amor, a la gente que la felicidad la ve en los ojos del otro, la felicidad que muchos ignoran y solo interpretan como amenazas; muchos ojos solo  ven miedo, ven terror. El amor no es el trabajo, no está pintado de verde, no es la juventud, no es una moneda de cambio, no es poder manipular a los demás, no existe como compasión, es una experiencia,  el amor está en la mirada,  las risas y la boca de los demás, en su manera estar aquí, vive en un abrazo sincero, palpita en una mano envejecida, sueña en un cuento, come junto a nosotros. No hay que hacer enredos y trampas para encontrarlo, no es tan difícil, es a través de los demás que nos encontramos y amamos. La culminación del andar es la muerte en un solo acto pero toda esta búsqueda se traduce en una triste pero bella experiencia que bien vale la pena, todo lo demás es una estúpida banalidad.

 

La forma tan sencilla, elegante de contar una historia hace de esta película una de las mejores del año (que gano el premio de la palma de oro como mejor película en la última edición del Festival de Cannes), no necesita de clichés, de diálogos empalagosos y de actuaciones que exageren el dramatismo de la vida propia, el cine hecho por este gran director es de lo mejor y demuestra que es bueno mantenerse alejado del renovado “romantisimo-drama-cómico-sobreactuado” del cine de Hollywood.

Amour
2012 Francia
Director: Michael Haneke

El Santos vs La Tetona Mendoza

Mi conocimiento de la tira cómica “El Santos” es muy precario, recuerdo que mi hermano la leía y reía como tonto (bueno, ya de por sí), pero yo era una niña, y de las pocas veces que le di un vistazo solo se me hacía curioso y algo perverso que la señora del dibujo anduviera por ahí desnuda, por lo tanto, comprenderán que no la fui a ver con la alta expectativa de sus respectivos fans, lo que tal vez (o no) me permitió disfrutarla mucho. En sus diversas entrevistas, Jis y Trino se han esmerado en mencionar que esta es una película para no tomarse en serio, todo un “desmadre”, y aun sin esta aclaración, esto se nota inmediatamente; llena de un lenguaje soez, va avanzando en una trama que para nada es complicada o muy original, pero que logra arrancarte unas buenas carcajadas. Además de la fama con la que contaba el personaje en cuestión, y del talento de sus creadores, uno de los elementos que más llaman la atención es el reparto “multiestelar” (cuando lo leí por primera vez, hasta pensé que era una broma), encabezado por Daniel Giménez Cacho como "El Santos" y Regina Orozco como "La Tetona", quiénes no fallan, Héctor Jiménez interpretando a un inocente "Cabo", José María Yazpik como el mamonsisimo "Peyote Asesino", y la cereza del pastel, Guillermo del Toro, porque escucharlo tirar unas netas bien netas como el "Gamborimbo Ponx" no tiene madre. Pero lo que en verdad hace especial a esta cinta son esas referencias a nuestros gustos y vicios sociales, como es la eterna guerra de los sexos, el machismo que generalmente esconde a un reverendo mandilón, nuestro amor por el fucho, el sexo y lo escatológico, nuestra característica manera de hacer política (y políticos) y en fin, que en serio nos encanta el desmadre (y la mota). Para no hacerla más cansada, es una película divertida, que sin duda tiene el toque Jis/Trino, y que te hará pasar un buen rato. Aunque si lo tuyo es la onda animación de primera tipo Pixar, o el humor fino (¡ja!), pues entonces ahí si no te la recomiendo. 

"El Santos vs La Tetona Mendoza", Dir. Alejandro Lozano, 2012.

Avengers Vs X-Men

Durante la crisis que sufrió la editorial Marvel durante los años noventa una de las pocas series que logro sobrevivir, ponerse de moda y dar vida a una empresa editorial (que hizo una serie de desastres) al borde de desaparecer fue la serie de los X-Men una saga que en su momento introdujo varios aspectos que cambiaron la forma tan recatada, arcaica y “ (muy)bueno contra (muy)malo” de leer los comics de Marvel, donde quizás uno de sus aciertos fundamentales fue la de incluir aspectos sociales como la discriminación, la represión social, el autoritarismo, rebelión o revolución y unos divertidos viajes en el tiempo.

 

Tras varias sagas de Marvel el universo de los X-Men se vio disminuido, la raza mutante está casi al borde de la extinción y sus personajes más emblemáticos han cambiado de forma radical o han migrado a otras agrupaciones , poco a poco los mutantes se diluyeron para dar paso a los Avengers (o mejor dicho la superorganizacion donde prácticamente todos los superhéroes de Marvel están inscritos).

En un notado esfuerzo por revivir la franquicia de los X-Men , Marvel retoma al evento que más llamo la atención del universo mutante: “El Fenix” y lo combina con su serie de moda para crear el crossover del año: Avengers Vs X-Men. La serie con todos los reflectores apuntándole parece prometedora, suena a algo que (aunque tuvo varios intentos previos) cambiara el universo Marvel.

Todo en el comic suena interesante, parece llevar un destino algo diferente y por fin novedoso pero como en otras sagas (y películas) de Marvel siempre aparece el espíritu del Tío Sam, ya sea en Iron Man (Como en Civil War) o en el viejo aburridísimo nacionalismo del Capitan America (que dicho sea de paso es el peor “superhéroe” jamás creado), con más diálogos (aburridos) que peleas, con poca o casi nula aparición de Hulk, y aunado a unos dibujos horribles del primer número (un pésimo arte de Romita que nada más no sabe dibujar) la seria se queda muy corta quedando a resumidas cuentas entre una discusión entre Ciclope y el Capitán America.

 

El intento de desprenderse de su discurso arcaico y ya infértil del bueno contra el malo es y pareciera llevar a algo novedoso pero a través de las paginas poco a poco se llega siempre al mismo al triunfalismo fácil y simple para darle al sistema americano (personificado en el Capitán America) la victoria sin importar que tan equivocados estén, si SEÑOR! todo claro, todo SEÑOR! Y pues para resumirlo de forma más convencional todo queda en “tanto pedo para cagar aguado” (je!). Triste decepción. Mejor lean el compilado de Wolverine Old Man Logan ese si esta bueno.

 

Skyfall

No he sido muy seguidor de las películas de James Bond, solo he visto unas cuantas incluyendo de la época Sean Connery, de Pierce Brosnan y las ultimas de Daniel Craig. Sin lugar a dudas las películas de James Bond tienen un sello o un estilo particular que se nota desde los créditos iniciales, donde reina la novela con algo de fantasía, con un héroe guapo y carismático, con chicas guapas y villanos muy malos y despiadados, pero en las ultimas películas y debido quizás al éxito de la serie de Jason Bourne se dejó a un lado el estereotipo del personaje , se dejó a un lado la fantasía del héroe contra el villano para dar lugar a una serie con intenciones más realistas y sobre todo creíbles, hasta con un James Bond con sus traumas y desperfectos, lo cual funciono muy bien en las dos primeras de Daniel Craig e incluso se mantuvo ligeramente ese sello “James Bond” pero en esta última todo parece retroceder, vuelve a los mismos clichés a las mismas tramas, al mismo casino, al mismo coche, al mismo villano y todo para terminar en lo mismo y lo peor sin una chica Bond. Lejos de gustarme me decepciono mucho, el inicio parecía prometedor, las secuencias de acción son buenas, las explosiones son espectaculares y hasta es graciosa en ciertos momentos pero un villano muy sin chiste (A Javier Bardem parecen darle los personajes malos más bizarros), un final muy malo (telenovelesco y sin chiste) y la inexistencia de una chica bond (que en las dos anteriores supieron incluir muy bien) hacen que el regreso del James Bond de Daniel Craig caiga al fondo de las películas de acción y termine en las domingueras, tal parece que ese Sam Mendes se empeñó en hacerle compañía a Batman The Dark Knight Rises.

 

Año: 2012

Directror: Sam Mendes

Duracion: 143 minutos

Elenco: Daniel Craig, Judi Dench, Javier Bardem, Naomie Harris.

 

NOVIEMBRE 2012

 

 Por fin

Películas del 2010 (Taquero Narcosatánico)

Más vale tardísimo que nunca, he aquí mi lista con mis 10 favoritas del 2010. Busqué momentos de inspiración para escribir comentarios de cada película enlistada, cambié las posiciones de mi lista mental muchas veces y hasta coloqué una lista en plan desmadroso en mi blog personal antes de decidir qué poner aquí. Entonces decidí dejar de darle vueltas al asunto y enlistar las películas sin mayor comentario o reflexión, como me vengan llegando a la mente. A ver qué sale. Todas las películas contempladas fueron vistas en una sala de cine durante el año pasado.

1. Hambre (Hunger, Steve McQueen)
Perturbadora, cruda, envolvente. Pocas películas provocan tal nivel de ansiedad. Una obra maestra.

2. La teta asustada (Claudia Llosa)
Cinta que podría pasar como “exótica”, perfecta para ser exhibida en festivales europeos.,pero que se siente tan cercana y auténtica que termina siendo entrañable, al menos para mí.

3. Un profeta (Un prophete, Jacques Audiard)
Un hombre sube escalafones en la mafia mientras se encuentra encerrado en una cárcel francesa. Contiene imágenes sucias pero de un impacto visual sorprendente.

4. Un hombre serio (A serious man, Hermanos Coen)
Los hermanos Coen siempre hacen películas que entran en mis favoritas. Y es que, cuando uno ve cintas como ésta, con ese humor negro y esa crueldad irónica (el final, por ejemplo), ¿cómo no incluirlos?

5. Scott Pilgrim vs The World (EdgarWright)
Una bebida energética hecha película. Esta adaptación de un cómic es una avalancha de acción, comedia, música, videojuegos mezclado agresivamente y lanzado en la cara del espectador esperando que éste aplauda y pida más. Y ni modo, clap clap.

6. Shutter Island (Martin Scorsese)
Un trhiller psicológico bien armado y con un sabor a Alfred Hitchcok. Dicen que es una “obra menor” de Scorsese. Más obras menores de éstas, por favor.

7. Sed de sangre (Bakjwi, Park Chan-wook)
Una historia de vampiros desquiciada y desquiciante, a veces cercana al exceso y el ridículo. Por momentos parece que la película va a salírsele de control al director sudcoreano entre tantos temas que quiere abarcar y tantos cambios radicales que va tomando la historia. Pero llegando el final, todo se acomoda.

8. Celda 211 (Daniel Monzón)
Thriller carcelario directo desde españa. Puesta en escena brillante, elementos minimos aprovechados al máximo y grandes actuaciones.

9. Anticristo (Antichrist, Lars Von Trier)
A Von Trier le sale muy bien ser provocador. Realizó una película que parece quirúrgicamente diseñada para indignar al festival de Cannes y que al mismo tiempo es una gran cinta de terror con muchas lecturas y en donde la belleza y la porquería es más natural que sobrenatural.

10. Año bisiesto (Michael Rowe)
Cinta mexicana aparentemente situada en la moda del cine contemplativo, pero que sobresale por el uso de actores profesionales (gran trabajo de Mónica del Carmen) y porque transmite efectivamente el desarrollo interno de sus personajes, no sólo lo pretende como otros exponentes del “género” (coffAmat Escalantecoff).

Si gustan revisar otra lista de películas escrita por mí, pero construida sobre unas condiciones más caprichosas (películas “acá”), pueden picarle aquí. Gracias por leerme, más cine y diversión para este 2011.

Álbum Debut/ Los nuevos 4 jinetes del metal

Grupo: Metallica
Disco: Kill’ Em All
Año: 1983

Como una nueva bocanada de aire fresco a la, de todos modos, siempre refrescante escena del Heavy Metal, llegan estos cuatro gringos mugrosos a invitarnos a poner la mano de cuernitos en todo lo alto una vez más. Después de formarse una gran reputación como banda en vivo, llega por fin el esperado álbum debut de Metallica tras la distribución no oficial del demo de la banda por medio de los fans y el de boca en boca (se ve que estos muchachos son partidarios de la distribución libre de canciones ¡bien por ellos!).

El gran mérito de la banda consiste en mezclar exitosamente el sonido del punk y el rock clásico con las técnicas virtuosas de la nueva ola del metal británico (Iron Maiden y así). El resultado es una serie de piezas energéticas, furiosas, con diversos cambios de ritmo. Es como si se propusieran ser la banda más rápida del oeste que dispara cuando menos lo esperas. O tal vez sólo llegaron a anunciar el apocalipsis.

El álbum empieza con “Hit The Lights”, con un riff veloz y James Hetfield llamando al frenesí. Es un tema que no niega la influencia de los Misfits y es una gran introducción. “The Four Horsemen” es una pieza que parece dividida en varios actos y aunque se extiende más de siete minutos, es una completa maravilla. La intensidad no para con “Motorbread”. Los solos de guitarra suenan geniales e imposibles, logrando que casi nadie extrañe al viejo guitarrista que fue despedido antes de grabar el álbum.

“Jump In The Fire” es como un tema de Deep Purple con anfetaminas, es su primer sencillo y seguro funciona muy bien en los conciertos. El tema está escrito desde la perspectiva del diablo viendo a los mortales matarse entre si y llegar directo al infierno (ahi nomás, papá). “(Anesthesia) Pulling Teeth” es una pieza instrumental que más bien parece un ensayo del bajista Cliff Burton que quedó registrado en el álbum nomás para ver qué pasaba. Aunque no funciona del todo como pieza individual, es una buena muestra del talento del bajista, como diciéndonos que él es el talento secreto dentro de Metallica.

En “Whiplash” James nos dice en la letra lo intensos que son los conciertos de la banda y que nunca se detendrán cual fuerza de la naturaleza. El tema es una de los mejores del disco. Los intereses por la fantasía y lo oculto se hace ver en “The Phantom Lord”., donde inventan incluso sus propias bestias mitológicas. “No Remorse” sube la adrenalina y la deja ahí arriba para la genial, aunque algo boba en su letra, “Seek And Destroy”. La placa cierra con “Metal Militia”, que grita a los cuatro vientos “nos gusta Motorhead” y termina con sonidos de un ejercito marchando, balazos explosiones y un gran sabor de boca.

Un gran debut para una banda que parece va por todo. Es como si en su futuro tuvieran mucho más que otros dos grandes discos, miles de giras, un fatal accidente, una reestructuración interna, un nuevo bajista, otro gran álbum, una polémica reinvención, más giras, quemaduras, dos discos mediocres, un escándalo por el intercambio ilegal de canciones, otro nuevo bajista, otra polémica reinvención, un documental que muestra lo mucho que les gusta el dinero y el disco más complaciente de toda su carrera, entre otras cosas. Seguro les irá mucho mejor.

Especial "Álbum Debut"

Muchos grupos de rock han alcanzado fama y fortuna, tiene muchos seguidores alrededor del mundo, tienen presentaciones en vivo que llenan estadios, crítica y público hablan de ellos en diferentes medios y, muchas de ellas, son auténticas máquinas de hacer dinero. Pero antes de todo esto, ellos eran bandas nuevas que aparecían en el espectro musical sin más presentación que un álbum debut.

A estas alturas ¿es posible analizar los primeros trabajos discográficos de bandas como Radiohead, Metallica, U2 y hasta los Beatles separándolos de toda su historia? ¿Sólo concentrándose en lo que ofrecía ese álbum debut? Aquí en el Ojo Rojo no sólo lo intentaremos, sino que incluso pretenderemos divertirnos en el proceso.

Grupo: Radiohead
Disco: Pablo Honey
Año de publicación: 1993

La radio lo programa. En las tiendas ya tienen su propio estante. MTV los pone todo el día. Es un hecho, las disqueras nos quieren hacer creer que existe el “rock alternativo”. Y no lo van a vender a toda costa. Casi como respuesta británica a bandas como Nirvana o Pearl Jam nos llega desde Oxford un conjunto que fácilmente puede entrar dentro de este sonido que está tan de moda entre los chavos en estos días.

Con guitarras furiosas, cantos melancólicos y llenos de desencanto y algunos guiños al rock colegial de los ochenta, Radiohead nos trae Pablo Honey, su carta de presentación. El álbum empeiza con “You”, que fusiona unas guitarras llenas de distorsión con unos hipnóticos arpegios. El sencillo “Creep”, una especie de himno adolecente al fracaso y el automensoprecio, sigue al pie de la letra la formula verso tranquilo-coro ruidoso que la hace accesible y radiable.

En “How Do You?” el vocalista Thom York modula su voz casi como el vocalista de los Sex Pistols. El tema es casi punk y es uno de los mejores temas del álbum. “Stop Wishpering” en apariencia es otro típico sencillo, pero el final ruidoso casi digno de Sonic Youth le saca la vuelta favorablemente, así como en “Anyone Can Play Guitar”, que nos muestra que sus guitarristas Jonny Greenwood y Ed O’Brian forman una buena mancuerna guitarrística.

En “Ripcord”, “Vegetable” y “Prove Yourself” no hay mayor trascendencia que unos versos melancólicos y una estructura muy “rock alternativo” que cansa un poco. No así con Thinking About You”, que nos muestra que la banda también tiene gusto por las íntimas canciones acústicas. Yo preferiría que, en el futuro, experimenten más por ese camino.

“I Cant” es dulce y pegajosa, aunque algo acartonada.“Lurgee” es un gran tema, aunque recuerda un poco a los Stone Roses. Y en “Blow Out” vuelven a mostrar su gusto por la distorsión, en un final casi caótico que cierra bien lo que en general es un álbum bastante regular.

Pablo Honey es un disco muy de su época, perfecto para venderse como “rock alternativo”. Tiene sus cosas buenas, pero la banda todavía suena a muchas cosas y se nota que todavía no encuentran su propio estilo. Aunque es muy pronto para hablar de su trascendencia, la verdad no creo que pasen de ser un "one hit wonder", sobre todo en comparación con bandas tan prometedoras como Suede y James en la escena.

La verdad, para que estos chavos se salven del olvido tendrían que sacar un excelente segundo álbum, una obra maestra de los noventa como tercero, reinventarse con sonidos electrónicos y destruir a la industria discográfica en el 2007 regalando su disco por internet… pero francamente, lo dudo.

Maquinita Lumbre

Es 13 de octubre de 2010. Arcade Fire se presenta en el Palacio de los deportes de la Ciudad de México. Me acompañan la linda gatita y el buen primo Beto. Aquí estamos, listos para ingresar al recinto con nuestros boletos impresos en hojas de papel. Ninguno de nosotros estamos seguros de lo que vamos a ver, pero definitivamente hay expectativa.

Entramos. Recorremos el lugar en busca de nuestros asientos, y cuando por fin los encontramos, se apagan las luces y comienza a tocar el acto abridor. Es un saxofonista solo en el escenario. No recuerdo su nombre, lo siento. Se dirige amablemente al público hablando en un accidentado español y comienza a interpretar sus piezas. Básicamente, se dedica a crear ambientes sonoros tocando su instrumento de viento de manera poco convencional. El sonido no es todo lo fuerte que debería ser y, por momentos, lo que ocurre en el escenario es bastante fácil de ignorar. Con todo y todo, cada que termina cada una de sus interpretaciones, el público aplaude sonoramente. Desde entonces podemos notar la calidez del público que prevalecerá durante la noche.

Se despide el abridor y se encienden las luces de nuevo. El lugar ya luce lleno. Quizás porque las secciones más alejadas del escenario no se llenaron completamente y los organizadores las convirtieron en una sola para tapar los espacios vacíos. No me sorprende que no fuera sold out, después del desmadre de la venta de boletos. Llegué a pensar que hasta cancelarían. En fin, que aquí estamos, listos para ver a Arcade Fire. Y la espera acaba de terminar.

Se pagan las luces y aparecen los músicos. Son como duendecillos, saltando de un lado a otro. Se les puede percibir llenos de euforia y apenas han entrado al escenario. Comienzan con Ready to start, tema de su último álbum. Las nueve personas arriba del escenario están entregadas al momento. En el escenario hay luces y una pantalla que muestra algunas imágenes. Lo cierto es que el verdadero espectáculo lo están dando los músicos, es casi imposible quitarles los ojos de encima. La banda agradece al público en español. “Perdón por la espera”, dice Win Butler. Sigue Keep the car running e igual, pura energía. No cars go aparece para mantener el momento en todo lo alto. Piel de gallina. La voz de Win a veces se pierde por la reacción del público.

El siguiente tema es Haiti. Régine Chassagne se apodera del escenario, bailando por todos lados, brincando e incluyéndonos a todos en el trance. Su voz suena increíble. Lo mismo en Sprawl II, uno de los temas más memorables de The Suburbs. Y luego, un par de temas de lo menos grandioso del mismo álbum, Modern Man y Rococo. No suenan mal, pero definitivamente no son mis favoritas.

Ahora suena The Suburbs. Al igual que con los clásicos, el público corea cada momento de la letra. Regine se acerca nuevamente al micrófono y, con un volumen más bajo que las canciones anteriores comienza a susurrar el principio de In the backseat. Un momento absolutamente estremecedor que, en lo personal, casi me saca lágrimas. Ese sentimiento se ve interrumpido por una vendedora de refrescos algo impertinente. Total, que eso a veces pasa.

Intervention suena en todo lo alto, con ese imponente órgano. Es la última canción que interpretan del genial Neon Bible. Es una lástima que se hayan limitado a los sencillos, pero bueno, tampoco es que lo estemos pasando mal.

Crown of love, otro momento de piel de gallina. Intento cantar, pero mi garganta está un poco atrofiada. Neighborhood #1 (Tunnels) es, probablemente, la canción mejor recibida hasta ahora. Aunque no es como si las anteriores hayan sido mal recibidas. El público está totalmente entregado a la banda. Y el sentimiento es mutuo.

We used to wait, de las mejores canciones del nuevo álbum, suena increíble e imponente. Neighborhood #2 (Power out) sube la adrenalina a tope. Es increíble lo mucho que crece la canción al escucharla en vivo y ver a sus integrantes ejecutarla con tal energía. Terminan el tema con un caos sonoro que, lentamente, se convierte en el siguiente tema, Rebelion Lies. Con el público coreando aún al final de la canción, la banda se despide después de un enorme bloque de canciones sin descanso. Aún falta el encore.

Regresan con Month of May, un enérgico tema del nuevo álbum. No suena del todo bien y no se distingue desde el principio. Siguen con un cover a The Smiths (según dice Win Butler). Francamente, yo no he escuchado la original, pero la verdad suena muy bien con los canadienses. Y llega el final del concierto con Wake Up, que es cantada por todo el recinto, entregando hasta la última gota de energía que nos queda.

Un concierto excepcional. Cada miembro del grupo ejecutando su instrumento como si no hubiera mañana, evidentemente disfrutando lo que hacen y contagiándonos a nosotros. Definitivamente, lo que se percibe en los discos es solo la mitad de lo que la banda ofrece. Tal vez la banda regrese en un futuro. Los esperamos con mucho gusto.

La Teta Asustada

Segundo largometraje de la cineasta peruana Claudia Llosa tras su notable Madeinusa de 2006. Llosa sigue interesada en contar historias de las comunidades indígenas de Perú, en un tono agridulce y más emparentado con tradición literaria latinoamericana (más precisamente el llamado “realismo mágico”) que con el cine de denuncia o la exaltación de lo exótico.

Tal vez muchos encuentren en esta película un retrato racista que exhibe a una población indígena para regocijo del blanco (dizque) civilizado. Yo no comparto esta apreciación. Para mí, la cámara de Llosa hace que este relato no resulte ajeno y misterioso. El relato de Fausta y su esfuerzo por lograr enterrar a su madre en su tierra natal se siente familiar, cercano, le habla a uno a través de las entrañas. Y es que la cineasta realmente logra transmitirnos pasión, admiración y respeto por lo que nos está contando. Ella no es ajena a lo que viven estos personajes e invita al espectador a que sea partícipe de esto.

Magaly Solier (quien ya había trabajado con la directora en Madeinusa) hace un papel estupendo. Su expresividad y su talento natural (ella misma improvisó las canciones que interpreta) son explotadas efectivamente en cada cuadro que aparece. Directores como Amat Escalante, que no utilizan actores profesionales, obtienen resultados lamentables en este ramo en pos de un minimalismo que no transmite nada. En cambio, Claudia Llosa pone a cuadro a Magaly y no solo aprovecha las cualidades de la joven, sino que trabaja con ella con una complicidad y respeto mutuo que se refleja en pantalla.

En mi opinión, una mejor película que Madeinusa, un escalón arriba en la carrera de una prometedora directora y una de las mejores películas estrenadas en México este 2010.

Calificación: 9.5

En Terapia (In Treatment), temporada 1

Como ya se está volviendo costumbre, HBO sigue apostándole a la producción de series televisivas que se alejan de la norma. Recientemente, gracias a Canal 22 de la televisión abierta mexicana, pudimos disfrutar de En Terapia, serie protagonizada por Gabriel Byrne.

Esta serie es un remake de una exitosa serie israelí (que lamentablemente no he podido revisar), y como su nombre indica, retrata las historias que ocurren dentro del consultorio de un psicólogo y sus diferentes pacientes. Lo innovador aquí es el formato: La serie está pensada para ser programada de lunes a viernes. De lunes a jueves vemos a Paul (David Byrne) en su papel de psicólogo, atendiendo a un paciente diferente cada día: Laura, que cree estar enamorada de Paul y utiliza el sexo como escape a sus problemas; Alex, un piloto del ejercito estadounidense obsesionado con la perfección y con cumplir con lo que se espera de él; Sophie, una gimnasta adolecente con tendencias suicidas; y por último, Jake y Amy, una pareja que ha llegado al punto en que sólo pueden comunicarse con agresión y con sexo.

Los viernes se ponen más interesantes, ya que Paul se separa de su papel de psicólogo y el mismo va a terapia con una antigua colega llamada Gina (Dianne West). Aquí vemos todo lo que Paul no puede expresar con sus pacientes, sus pensamientos, sus miedos, su repulsión hacia ciertas actitudes de estos. Y no sólo eso, sino que conforme avanza la serie, vemos que muchos de los problemas de sus pacientes empatan con su propia vida, y que es menos tolerante y centrado de lo que aparenta como psicólogo.

El manejo de cada episodio es por demás notable. Mucho de lo que pasa en la serie lo escuchamos en voz de los pacientes, nada de flashbaks o mayores elementos de apoyo. En la mayoría de los capítulos sólo vemos a dos personas hablando durante aproximadamente 27 minutos. El trabajo de cámaras es muy sencillo, pero efectivo. El verdadero punto fuerte está en el guión y en las actuaciones. Tanto Gabriel Byrne como cada paciente hace un trabajo realmente convincente. Las historias que nos cuentan realmente llegan a importarnos. También es interesante ver cómo evoluciona la terapia en cada uno de los pacientes, Paul incluido, y cómo en muchas ocasiones el resultado no está del todo claro si beneficia o no a los pacientes. En múltiples ocasiones se cuestionar la utilidad de la terapia y todas sus reglas, así como ese complicado torbellino que son las relaciones humanas.

En terapia es una serie digna de verse. Un ejercicio televisivo refrescante y muy bien logrado, que resulta más satisfactorio de lo que aparenta en un principio. Si he de verle un problema, es el hecho de que es un remake, y me hace pensar en qué tan diferente es de la original y si justifica su re hechura. En fin, hasta que no vea la original no podré saberlo y mejor disfrutaré de mi bendita ignorancia.

Calificación:
Serie en general: 9
Todos los capítulos de Alex: 10

………………

Por cierto, muy bien por el canal 22. Lo que hizo al traer “En Terapia” es todo un ejemplo para la televisión abierta de cómo se debe programar una serie: con un horario especifico, subtitulada, bien promocionada. A veces, en los canales abiertos, tratan las series como si no quisieran que las vieran. Tan sencillo que es confiar en tu producto y, sobre todo, en la inteligencia de tu público.

Shutter Island (La Isla Siniestra)

Cuando vi el tráiler lo primero que pensé fue “órale, ¿ahora Martin Scorsese le va a entrar al terror?”, pero como suele suceder, la mercadotecnia engaña. No es una cinta de terror, es mucho suspenso.

La premisa es simple: el Agente Federal "Teddy" Daniels (Leonardo DiCaprio), junto con su nuevo compañero Chuck Aule (el siempre encantador Mark Ruffalo), llegan a “Shutter Island” para resolver la misteriosa desaparición de la “paciente” Rachel Solando; pero claro, poco a poco las cosas se complican… el personal no parece muy cooperativo, los pacientes se comportan más paranoicos de lo normal; y el pasado de “Teddy” comienza a salir a flote.

Toda la cinta te mantiene en la incertidumbre constante, mucho de esto logrado por la excelente música (supervisada por Robbie Robertson), y el contexto en cuestión, una Institución Mental, donde se encuentran peligrosos criminales. Con el solo hecho de pensar en un manicomio, muchos de nosotros sabemos que no es cosa fácil, enfrentar personas que perdieron la razón, que no están en sintonía con la realidad, y es todavía más tétrico si está ubicado en los 50´s, donde tan poco se sabía de la mente (si es que ahora se sabe mucho), así que el sentimiento de agobio y paranoia no te dejará. La fotografía (Robert Richardson) es hermosa, sobre todo en los recuerdos de “Teddy”, y los diálogos son agudos, principalmente en las conversaciones con los Doctores John Cawley y Jeremiah Naehring (Ben Kingsley y Max von Sydow, respectivamente). En fin, vale mucho la pena.

“Es una película de Martin Scorsese”, muchas veces con solo decir eso, es más que suficiente. Pero lograr ese nivel de Estatus, no es fácil, y ésta película, es muestra de ello.

Calificación: 9.0

The Hurt Locker (Zona de Miedo)

Un segundo mas un segundo menos, la relevancia del tiempo se nos pasa de largo sin dejar consecuencias tangibles en nuestras lamentables costumbres, en el tiempo deambulamos perdidos sin tener en cuenta el final, nos dejamos llevar por sus manecillas, en la espiral del tiempo nos dejamos caer inconscientes de la realidad. Pero en un instante, de ese mal interpretado e insensato Cronos esta la misma vida que cambia en el tiempo que tarda un aleteo de una mariposa, así es el, se nos va de largo en un momento que puede ser eterno.

Así con reloj en mano mido el tiempo que la espero, sentado sin tener noción de las consecuencias del segundo que ella tardó de mas en pintar sus pestañas, en el segundo que decidió tomar de mas para leer el siguiente párrafo de las noticias, en el conjunto de segundos que tardo de mas esperando a que el chofer pasara por su casa que a su vez se retrasó unos minutos en fumarse un cigarro en la terminal, así sentado la espero matando al tiempo centrando mi mente, imaginando, en que función será a la que ella llegará, miro el cartel y se me quedan grabadas dos opciones, una es una cinta altamente premiada siendo una mujer la directora, la otra debido al director y al reparto es garantía.

Los segundos pasan, mi animo se vuelca a que el dios (inexistente, creo) de la coincidencia se haga presente para que ella llegue a tiempo para alcanzar la película que por expectativas y precedentes me genera mas entusiasmo, así con el tiempo contado la sigo esperando y así sin tiempo alguno se diluye mi ilusión de ver una mas de Matin. La segunda opción es una historia mas de guerra que ganó reconocimientos por parte del que las patrocina (las guerras) obvio suena a pan con lo mismo sin embargo la segunda opción se convierte en la opción menos mala y ella con el tiempo justo aparece para hacer de la (aparente) opción menos mala la única.

El tiempo transcurre sentado en la oscuridad con ella a mi lado, pasan los 24 cuadros por segundo que a esa velocidad imprimen una historia de guerra diferente y rara, algo pretenciosa y algo critica, una historia que se cuenta en un tiempo de 2 horas que una ves más muestra al héroe de una guerra capitalista y mercenaria, es la historia del ídolo norteamericano que crean o quisieran crear los mismos americanos al ídolo fiel, comprometido, peleador y la vez vació, adicto carente de heroísmo y sobrante de nacionalismo artificial. La película al final del tiempo termina siendo como algo así como la Apocalipsis ahora, o La delgada línea roja de estos últimos 10 años.....Mmmhhh??!!

Es al final del día cuando reconozco la importancia de no perder el tiempo, por que las consecuencias pueden ser explosivamente graves.

Calif. 8.5